Am vergangenen Samstag zog ich wieder einmal mit meiner Stafetta-duo durch die Stadt und fotografierte Architektur. Herausgekommen sind ein paar neue Bilder für mein Set Architectural shots on medium format film (siehe Slideshow oben).

Dieser Eintrag soll einfach Ausdruck meiner Liebe für die Architektur, meine Stadt und fürs Fotografieren mit meiner alten Kamera sein.

Beispielsweise sah man unter www.sogesehen.ch/tumblr ein Portät von mir in der Hardbrücke-Ausstellung, meinen Beitrag zum Weltlochkamera-Tag und eine Foto-Slideshow von der Pferderennbahn vom letzten Sonntag.

Ich habe also einige Geschichten über mich und meine Fotografie bereits verbloggt. Und ich finde offensichtlich Gefallen an der kürzeren, bunteren Art des Bloggens mit Tumblr. Und weil auch Indexhibit eine so simple, stylische Web-Applikation für sogesehen.ch ist, setzte ich zurzeit mehr Zeit dort ein (wogegen hier meine Wordpress-Installation schon seit längerem auf Updates wartet).

Ich lasse aus diesem Anlass auch meinen RSS-Feed vom aktiveren Tumble-Blog speisen und hoffe, damit keinen Abonnenten vor den Kopf zu stossen. Es kommen so mehr Inhalte, trotzdem meist zum Thema Fotografie und ab und zu auch etwas persönlicheres von mir in euren Feedreader – ein «Sammelsurium» eben.

Ich lasse das mal so bis weitere Entwicklungen mit sogesehen.ch und stefanbucher.net folgen. Der geneigten Leserin und dem Leser danke ich für die Treue.

Jetzt wollte ich für mich heraus finden, was diese Faszination für mich ausmacht. Ich habe dazu eine Mindmap angelegt:

Das mag wirr erscheinen, deshalb hier hoffentlich klarere Aussagen zu den Hauptpunkten:

• Ich arbeite gerne mit einfachsten Kameras. Ich erlebe dabei die fotografischen Grundgesetze: Licht in den schwarzen Kasten eintreten und auf den Film fallen lassen. Dort geschieht die unvermeidliche chemische Reaktion. Alle möglichen Einflüsse hinterlassen auf dem Bild ihre Spuren (Beispiel).
• Ich spiele gerne mit der Ungenauigkeit. Gleichzeitig ist es ein Ziel, das vorhandene Licht so genau wie möglich einzuschätzen. Es ist ein gutes Gefühl, Licht und Kamera auch in schwierigen Situation gemeistert zu haben (Beispiel).
• Ich beschreibe einen Gegenstand gerne in groben Linien. Dafür reicht auch ein Bild aus, das unscharf ist (Beispiel).
• Durch den Bildrahmen der Kamera blicke ich auf einen Gegenstand. In diesem Moment gibt es nur dieses Sichtfeld. Wie in der Kamera selbst wird verschluckt, was ausserhalb des Rahmens liegt. Dieses Ausschnitte Wählen ist für mich kreativer Ausdruck (Beispiel). Zugegeben: Gilt nicht für die Lo-Fi-Fotografie allein.
• Bilder, die unscharf sind oder Fehler haben, fordern von mir als Betrachter keine messerscharfe Analyse. Beim Betrachten nehme ich das Bild auf. Die Magie des Mediums wirkt an mir selbst.
• Es ist ein Statement der Bescheidenheit, wenn ich alte Kameras benutze. Dass mit diesen Kameras früher schon viel mehr Bilder gemacht wurden, als ich alleine machen kann, verbindet mich mit einer grösseren Gemeinschaft von Fotografen.

Dies alles kann ich mit Freude erleben, was die Fotografie für mich zur wertvollen Freizeitbeschäftigung macht.

Das Bild auf der Einladungskarte ist das letzte Bild auf meinem dritten Film, den ich für das Projekt belichtet hatte. Es ist ein Bild, wie ich es mir von Anfang an vorgestellt hatte.

In der Vorbereitung für unsere Arbeit für das Ausstellungs-Projekt, bekamen wir den Tipp, Inspirations-Bilder von anderen Fotografen auszuwählen, an denen wir uns für unsere Fotos orientieren könnten. Diese Idee war für mich sehr hilfreich. Inspiration fand ich bei Luciano Rigolini – wie aus der Lektüre dieses Blogs ja schon bekannt sein dürfte.

Inspiration. Luciano Rigolini, «What you see».

Resultat von mir. «Debbie driving».

Der Effekt hier, aus dem fahrenden Auto heraus zu fotografieren, gefiel mir. Und mit dem Resultat bin ich zufrieden, nicht nur weil der Effekt funktioniert hat, sondern auch weil die Stimmung zu meinen übrigen Aufnahmen passt.

Wie im Konzept beschreiben, belichtete ich drei Filme für das Projekt. Vom ersten Film kamen drei Bilder in die engere Auswahl, vom zweiten Film zwei Bilder und vom dritten Film nur noch dieses eine Bild. Das ist interessant, denn es zeigt doch, dass ich bei meinen ersten Erkundungen mit der Kamera schon mit dem richtigen Gefühl an die Sache heran ging.

Ich zeige schliesslich sechs Bilder in der Ausstellung. Für mich ist dabei eine Arbeit mit konzeptionell klarem Zusammenhalt entstanden. Und ich freue mich, die Bilder einem Publikum zeigen zu können.

Ein Gedanke beschäftigt mich jetzt, nämlich, dass das Resultat einfach eine Momentaufnahme meiner Sichtweise und Möglichkeiten für die Umsetzung des Themas ist. In einem Monat – oder wohl heute schon – sehen meine Hardbrücke-Fotos vermutlich ganz anders aus. Das Werk scheint mir deshalb kaum definitiv.

Die Reise geht also weiter.

Facebook-Event-Seite zur Ausstellung

Und demnächst sollte hier die Einladung zur Ausstellung unserer GAF-Klasse folgen. Später möchte ich dann auch noch die eine oder andere Erfahrung mit dem Projekt mitteilen.

Bis dahin verabschiedet sich der Winter hoffentlich.

Es schien mir, als sei ich viel besser auf das quadratische Mittelformat (6×6) eingeschossen. Von zwölf Bildern auf einer 120er-Filmrolle finde ich meist einen höheren Anteil der Bilder passabel.

Mit dem letzen Kleinbildfilm hatte ich zwar vieles versucht und gewagt: Streetphotography, also Menschen auf der Strasse, und das bewusste Einsetzen der Schärfentiefe. Die Bilder kamen aber meist nichtssagend oder auch aus technischen Gründen schwach heraus.

Doch dann stellte ich Fotopaare zusammen:

Und so entstanden neue Bilder, die für mich auf einmal einen Wert hatten.

Aufgefallen sind mir auf Flickr vermehrt Doppelbilder von zwei Negativen auf einem Foto (siehe z. B. Gruppe «duality»). Oft stammen sie aus Halbformatkameras, die zwei um 90 Grad gekippte Bilder auf dem Platz eines Standard-Kleinbildnegativs unterbringen. Manchmal zeigen die Bildpaare eine Abfolge einer Szene, manchmal auch nicht.

So wurde ich wieder einmal von Flickr inspiriert. Und habe dabei etwas Neues aus meiner Fotografie herausgeholt.

Dies ist mein erster Versuch mit einem braungetonten Bild.

Das Bild der Peperoni (schweizerisch für Paprika ;-)) entstand unter meinem Dachfenster auf einer alten Holzkommode. Ein wunderbares Setting für Stillleben, fand ich. Und mit dem Resultat in Farbe war ich dann auch zufrieden.

Die einfache Komposition rief bei mir klassische Stillleben in Erinnerung. Auf Weihnachten habe ich ein Buch mit Pflanzenbildern von Karl Blossfeld geschenkt bekommen. Diese klassischen Meisterwerke werden uns heute oft mit Brauntonung präsentiert.

Brooks Jensen zeigt in seinem The New 100 Prints Project durchwegs getonte Schwarzweissfotografien. Die Bilder seines laufenden Projekts beschreibt der Herausgeber des Lenswork Magazins und Podcast jeweils mit einem gesprochenen Kommentar. Und weil ich Brooks Jensen stundenlang zuhören könnte, habe ich mir aus dem Lenswork Podcast-Archiv einige Folgen angehört.

In LW0188: How Brown Is the Perfect Warm Tone? (MP3) geht es um die Brauntonung. Als ich mir das anhörte, dachte ich mir, das Peperonimotiv wäre geeignet für einen Versuch.

Der Effekt gefällt mir in diesem Bild. Doch bleiben für mich einige Unsicherheiten: Ist die Tonung zu stark? Sollte ich auch in anderen Serien damit experimentieren? Was gewinnt das Bild tatsächlich durch die Bearbeitung? Ich befürchte, dass einem vor lauter Brauntonung neutrale Schwarzweissbilder bald langweilig erscheinen. Dann muss es immer mehr sein und man beschäftigt sich nur noch mit der perfekten Tonung statt mit dem Objekt, der Komposition oder der Serie.

Bis auf weitere vereinzelte Versuche, also.

Links:
Karl Blossfeld Archiv
Wikipedia: Tonung

Ich lege einfach mal los, vielleicht ergeben sich am Ende ein paar zusammenfassende Bemerkungen.

• Januar: Der Lochkamera-Bausatz ist wie ein verspätetes Weihnachtsgeschenk. Immer wieder fühle ich mich zur simplen Fotografie ohne Linse hingezogen. Und einige reizvolle Resultate kommen dabei heraus.
• März: Für die GAF-Fotoklasse mache ich eine Fotoreportage im Engrosmarkt in Zürich.
  Die Letzigrund-Urinals werden zu meinem auf Flickr erfolgreichsten Bild und ein anderes für mich wichtiges Bild entsteht.
• April: Ich fotografiere am Welt-Pinhole-Day und reiche ein Zirkus-Bild ein.
  Auf dem Flohmarkt kaufe ich eine Polaroid-Kamera und verschiesse mein erstes Filmpack an einem Sonntagmorgen. Später im Jahr mache ich noch mehr Bilder mit der Polaroid-Kamera.
• Mai: In den Mai-Ferien sind es häuptsächlich quadratische Schwarzweissbilder. Mit einer Billigkamera mit Panoramaeinstellung sammle ich neue Erfahrungen.
  Ende Monat entstehen im Opfikerpark ein paar schöne Farbaufnahmen.
• Juni: Für eine GAF-Aufgabe wage ich mich an Porträts heran. Ich lerne, dass es mehr Zug und Motivation für eine ganze Serie braucht, und kann nur mit zwei Aufnahmen zufrieden sein.
  Der Autofriedhof zieht im Sommer viele Fotografen an. An meinen Fotos haben ich Freude, weil ich sie ganz nach meiner Art machte – mit Polaroid und 6×6-Mittelformat.
  
• Juli: An einer alten Boxkamera konnte ich einfach nicht vorbei gehen. Sie passt schön in meine Sammlung. Im September beschrieb ich die Kamera im 50$ Camera Project-Beitrag.
• August: Mein Garten wird zu einem neuen Langzeitprojekt, für das ich die Boxkamera einsetze. Ich lasse mich auch zu Botanik-Studien und Blumenmakros hinreissen.
• Oktober: Ein Bild von mir gewinnt den 2. Preis am Kalkbreite-Fotowettbewerb. Eine schöne kleine Ehre. Sie wird begleitet von Überlegungen, welche Bilder ich in welchen Gruppen und Formen präsentieren könnte: Postkarten, Buch, Ausstellung?
• November: Beginn der Hardbrücke-Serie als Gruppen-Projekt der GAF-Klasse mit dem Ziel einer Ausstellung ca. im April 2009. Ein Unternehmen, bei dem ich für mich vor allem das Ziel verfolge, einen gut zusammenspielenden, abgerundeten «Body of Work» zu schaffen.
  

Ich habe viele verschiedene Dinge gemacht dieses Jahr. Und doch ist auf der Flickr-Jahresübersicht zu sehen, dass ich im Vergleich zum Vorjahr weniger Fotos hochgeladen habe.
So langsam bekommt für mich eine Frage doch mehr Bedeutung, die unter anderem durch die GAF-Klasse von aussen an mich heran getragen wurde: «Wohin gehst du mit deiner Fotografie?» Eine Antwort darauf habe ich noch keine. Es werden Entdeckungen im kommenden Jahr sein, die den Weg aufzeigen. Vorerst geht es mir einfach um die Freude und Inspiration, die ich durch die Fotografie erfahre.

Ich wünsche allen, die hier treu mitlesen, frohe Weihnachtsfeiertage und einen guten Start ins Jahr 2009.
(Vielleicht hat jemand ja Lust, in einem Kommentar kurz zu sagen, was ihr/ihm an meinem Blog gefällt. So ein Feedback ist immer willkommen und aufschlussreich. Vielen Dank.)

Die auffälligsten Elemente der fotografischen Formensprache möchte ich hier beschreiben, so wie ich sie wahrnehme. Es sind grafische Gestaltungsmuster, die in Rigolinis Arbeit äusserst konsequent angewendet werden.

• Rundungen. Alles, was geschwungen, gebogen oder kreisrund ist. Kugeln oder runde Flecken, die Kopfform oder eine Strassenbiegung. Meist sind nur Halb- oder Viertelkreise zu sehen. Rundungen gibt es in technischen Materialien oder natürlichen Gegenständen.
• Schrägen. Oft beschreiben die Linien ein <- oder >-Zeichen. Machmal gehen viele Formen mit unterschiedlich schrägen Linien durcheinander. Manchmal gehen sie diagonal durch das ganze Bild.
• Raster/Gitter. Ein regelmässiges Netz überspannt das ganze Bild oder Teile. Unterschiedlich dicht, erlaubt es mehr oder weniger Durchblick auf das dahinter liegende Objekt. Oder die Rasterform bestimmt selbst das gesamte Bildes.
• Rahmen. Parallel zum Bildrand verlaufende Linien, die wie zwei Winkel das Bild von beiden Seiten einrahmen; manchmal enger manchmal nur zu Teilen.
• Turm/Stange. Senkrecht in den Himmel ragende Linie, oft mittig ausgerichtet oder leicht daneben.
• Häuschenschema. Ich nenne sie mal so: die Form mit dem zum Himmel strebenden Dachgiebel und an der Vorderfläche Fenster und eine Türe.

Und jetzt noch gewissermassen zur Syntax, wie die Elemente angewendet und zusammengesetzt werden (vieles davon oben schon angesprochen):

• Teile. Alle Elemente werden meist nicht ganz gezeigt, sondern teilweise. Die Menge hängt ab vom optischen Gleichgewicht im Bild. Viele verschiedene Teile fügen sich aneinander oder halten sich mit Entfernung die Waage.
• Überlagerung. Das Nahe verdeckt das Ferne. Elemente haben Lücken und lassen etwas hervor scheinen. Ein Bild wird aus Vorder- und Hintergrund zusammengegossen.

Um mich mit diesen Formen weiter vertraut zu machen, habe ich einen Ausdruck meines Blatts «20 Kompositionen» gemacht. Es hilft, die Formen nachzuzeichnen, ein Rigolini-Bild so noch genauer zu analysieren oder auch ein eigenes Bild auf die Formensprache zu überprüfen.

Irgendwie passend und ermutigend, die Fotografie poetisch als Sprache einzusetzen, fand ich im Magnum Blog in einem Zitat von David Alan Harvey:

Photography is now clearly a language. As with any language, knowing how to spell and write a gramatically correct “sentence” is , of course, necessary. But, more importantly, today’s emerging photographers now must be “visual wordsmiths” with either a clear didactic or an esoteric imperitive. Be a poet, not a technical “writer”.

So verändert sich mein Sehen und vielleicht auch mein Ausdruck in meinen Fotos. Die Botschaft wird dann immer deutlicher.

• Film aus der Billig-Pano-Knipse. Ich hatte ja die letzten Wochen etwas geschummelt hier im Blog ;-). Ich schrieb, ich hätte keinen Film mehr. Tatsächlich habe ich einen Farbfilm durch meine «Jazz 101» durchgelassen. Die Resultete folgen in den kommenden Tagen auf meiner Flickrseite.
• Digitale Urban Abstracts.
  
  In der letzten Woche hatte ich auf einmal wieder Lust, auf dem Arbeitsweg und in der Mittagspause auf grafische Kombinationen zu achten. Ich habe sie in Schwarzweiss aufgenommen. Zu sehen sind sie unter dem Stichwort «Way to Work» auf Flickr.
• Polaroids von Sihlsee.
  
  Diesen Samstag fuhr ich nach Einsiedeln und an den Sihlsee und machte Fotos mit der Polaroid-Kamera. Gereizt haben mich die kargen Landschaftsaufnahmen im Sofortbildformat, die ich oft auf Flickr sehe. Eine solche ist mir gelungen, finde ich. Mehr Polaroids kommen dann im Polaroids-Set.
• Ein HDR-Bild. Und jetzt auch das noch: Ich habe ein HDR-Bild versucht. Ich stand vor diesem Hügel und stellte fest, dass meine Kamera mit diesen Licht-Schattenverhältnissen nicht zurecht kommt. Also belichtete ich eine Reihe und hatte so das Material für ein HDR-Bild. Die ersten Schritte mit der Software Photomatix waren einfach, und herausgekommen ist das da:
  
  Letzte Woche habe ich mit einem Arbeitskollegen über HDR gesprochen. Bei allen Vorbehalten dieser Technik gegenüber, dieser Versuch ist für mich eine interessante Erfahrung.

Dieser Foto-Output kommt nach einer Fotopause – wenigstens gefühlsmässig waren die letzten Wochen nicht besonders aktiv und kreativ. Ich habe mich zwar mit einigen Fotos aus meinem Archiv auseinandergesetzt und eigene Prints erstellt. Doch ist es, als hätte mich letzte Woche eine neue Kreativität ergriffen.

Zum Schluss ein Mitbringsel aus Einsiedeln für den Kamera-Geek:

Pilger-Kitsch-Souvenir mit Lichtbildern der Schwarzen Madonna und dem Kloster Einsiedeln in Form einer klassischen Zweiaugen-Kamera mit Bleistiftspitzer :-)